A chi non è mai servito??? XD
Nel 1935, il commentatore americano Walter Winchell coniò il termine “disc jockey” (la combinazione di disco, riferendosi alle registrazioni del disco, e fantino, che è un operatore di una macchina) come una descrizione del radio speaker Martin Block, il primo presentatore a diventare una star.
Mentre il suo pubblico era in attesa sugli sviluppi del rapimento Lindbergh, Block mandava in onda registrazioni e creava l’illusione di trasmettere da una sala da ballo, con le migliori band della nazione ad esibirsi live.
Lo spettacolo, che ha chiamato “Make Believe Ballroom”, fu un successo immediato. Il termine “disc jockey” è apparso sulla stampa in Varietà nel 1941.
Nel 1950, i DJs radiofonici americani apparivano dal vivo al “sock hops” e al “platter parties” assumendo il ruolo di un jukebox umano.
Essi di solito suonavano con vinili da 45 giri, con singoli di successo su un piatto mentre si parla tra i brani. In alcuni casi, un batterista dal vivo veniva ingaggiato per inserire battute tra una canzone e l’altra così da mantenere la pista da ballo accesa.
Nel 1955, Bob Casey, un noto DJ del “sock hop”, ha proposto il sistema a due giradischi per gli Stati Uniti durante tutto il
1950, i pagamenti di bustarelle da parte delle case discografiche per i DJ in cambio di airplay sono stati un problema in corso.
Una parte del fallout dello “scandalo bustarelle” era a più stretto controllo musicale dalla stazione di gestione. Il formato Top 40 emerse, dove si disputavano ripetutamente le canzoni popolari.
Alla fine del 1950, i sound system, una nuova forma di spettacolo per il pubblico, si svilupparono nei ghetti di Kingston, Giamaica.
Promotori, che si definivano DJs, organizzavano grandi feste per le strade, incentrate sul disc-jockey, detto il “selettore”, che suonava musica da ballo con alti sistemi PA di grandi dimensioni e scherzava sulla musica con un millantativo, stile ritmico di canto chiamato ”toasting”.
Queste feste diventarono rapidamente redditizie per i promotori, che avrebbero venduto ammissioni, cibo e alcool, così da portare una concorrenza feroce tra i DJs per il sistema più grande e per il disco più nuovo inserito nella selecta.
Nel 1857, Leon Scott ha inventato il phonoautograph in Francia, il primo dispositivo per registrare il suono, ma con nessun metodo di riproduzione.
Nel 1877, Charles Cros ha inventato un fonografo in Francia che è
stato brevettato prima dell’ invenzione di Thomas Alva Edison, ma mai costruito.
Edison ha inventato il cilindro fonografo, il primo dispositivo per riprodurre audio registrato, negli Stati Uniti.
Nel 1892, Emile Berliner ha iniziato la produzione commerciale dei suoi dischi per grammofono, le registrazioni del disco prima di essere offerti al pubblico.
Nel 1906, Reginald Fessenden trasmette la prima trasmissione radio audio nella storia nonchè l’ascolto del primo brano musicale, quello di un contralto cantato da Haendel Largo dallo Xerxes.
Il primo Radio Dj al mondo fu Ray Newby, di Stockton, California.
Nel 1909, a 16 anni di età, Newby inizia regolarmente a riprodurre dischi su un piccolo trasmettitore a scintilla, mentre era uno studente della Herrold College of Engineering and Wireless, situato a San Jose, California, sotto l’autorità del radio pioniere Charles “Doc” Herrold.
Anche se è stato veramente chiamato Disco Jockey, il nome è stato cambiato nel corso degli anni in Disc Jockey, ma può essere definito DISCO o DISC Jockey.
Abbiamo usato brani popolari a quel tempo, principalmente brani Caruso, perché erano molto buone e forti, avevamo bisogno di una spinta … abbiamo iniziato in via sperimentale e poi siamo andati avanti, perché questo è romanzo, siamo rimasti in programma continuamente senza lasciare l’aria in qualsiasi tempo da allora, tranne per un tempo molto breve durante la prima guerra mondiale, quando il governo ci ha costretti a rimuovere l’antenna … La maggior parte della nostra programmazione è stata registrata, lo ammetto, ma naturalmente abbiamo dato le notizie che abbiamo potuto ottenere …
Ray Newby, I’ve Got a Secret (1965)
Nel 1910, le trasmissioni radiofoniche regolari aveva iniziato a usare il “live”, così come il suono pre-registrato.
Nei primi anni della radio, i contenuti erano in genere la commedia, il dramma, le notizie, la musica, lo sport e il reporting.
Gli annunciatori on-air e i programmatori in seguito sarebbero stati conosciuti come disc jockey.
Nel 1920, i “Juke Points” divennero popolari come luoghi per ballare e bere ascoltando musica registrata tramite un jukebox.
Nel 1927, Christopher Stone è diventato il primo annunciatore della radio e programmatore nel Regno Unito, sulla stazione radio della BBC.
Nel 1929, Thomas Edison cessò la fabbricazione dei fonografi cilindrici, gesto che concluse definitivamente la rivalità tra dischi e cilindri.
L’equipaggiamento di un DJ può consistere in:
- Registrazioni del suono in un mezzo preferito DJ (ad esempio, dischi in vinile, compact disc, i file multimediali del computer, ecc);
- Una combinazione di due dispositivi (o solo uno, se la riproduzione è digitale) per avviare registrazioni sonore, per alternare i brani avanti e indietro così da creare una riproduzione continua di musica (ad esempio, record players, Compact Disc players, computer media players come un MP3 player ecc);
- Un Sequencer multiplo per mixare le tracce MIDI con audio digitale.
- Un sistema audio per l’amplificazione o la diffusione delle registrazioni (ad esempio, sistema audio portatile, sistema PA) o un sistema di trasmissioni radiofoniche;
- Un mixer per DJ (in genere 2 o 4 canali), che è un mixer audio elettronico in genere dotato di un crossfader utilizzato per affrontare al meglio il passaggio da una canzone all’altra, utilizzando due o più dispositivi di riproduzione;
- Cuffie, utilizzate per ascoltare un brano mentre quello già in riproduzione è in ascolto dal pubblico, e
In alternativa, un microfono, in modo che il DJ possa introdurre le canzoni e parlare con il pubblico.
Altre attrezzature possono essere aggiunte alla configurazione base del DJ, fornendo delle manipolazioni del suono. Tali dispositivi includono, ma non sono limitati a:
- Unità di effetti elettronici (delay, reverb, octave, equalizer, chorus, ecc.). Alcuni club DJ utilizzano un sintetizzatore con effetto sub-armonico che, o raddoppia le basse frequenze con energia aggiunta ma di un’ottava più bassa, o sintetizza un’armonia in modo tale da dare l’impressione di un suono molto basso aggiunto alla miscela.
- Un sistema computerizzato di prestazioni, che può essere utilizzato con il software di emulazione del vinile per manipolare i file digitali sul computer in tempo reale.
- Headshells Multi-stylus, che consentono al Dj di riprodurre grooves differenti della stessa registrazione nello stesso momento.
- Controller hardware digitali permettono di manipolare file digitali su un PC o laptop.
- Campionatori, sequencer, tastiere musicali elettronice (sintetizzatori), o drum machine.
Diverse tecniche sono utilizzate dai DJs come mezzo per meglio mescolare e fondere musica registrata. Queste tecniche includono principalmente il cueing, l’equalizzazione, e il mixaggio audio di due o più sorgenti sonore. La complessità e la frequenza delle tecniche speciali dipende in gran parte dal contesto in cui un DJ sta lavorando. I Radio DJ sono meno propensi a concentrarsi sulle procedure di miscelazione di musica mentre i DJ dei club si affidano a una transizione morbida tra le canzoni usando una gamma di tecniche.
Le tecniche turntable dei Club Dj sono il beatmatching, il fraseggio, e slip-cueing per conservare energia sul dancefloor. Turntablism incarna l’arte del cutting, beat juggling, scratching, needle drops, phase shifting, back spinning, e altro ancora per effettuare le transizioni e le sovraincisioni dei campioni in modo più creativo (anche se turntablism è spesso considerato un uso del giradischi come uno strumento musicale, piuttosto che uno strumento per la miscelazione di musica registrata).
Un disc jockey (noto anche come DJ o deejay) è una persona che seleziona e registra musica per un pubblico. Originariamente, utilizzando dis
chi in vinile, e successivamente utilizzando Compact Disk. Oggi, il termine comprende tutte le forme di riproduzione di musica, non importa la fonte.
Ci sono diversi tipi di disc jockey. Il “Radio DJ” introduce e riproduce la musica che è in onda su AM, FM, onde corte, digitali, o stazioni radio Internet.
Il “Club DJ” seleziona e riproduce musica nei bar, nei locali notturni, nelle discoteche, nei rave, o anche negli stadi.
Gli “Hip-hop DJs” selezionano e riproducono musica con molteplici giradischi, spesso spalleggiando uno o più MCs, e possono anche fare scratching e cutting per creare suoni percussivi.
Durante i viaggi i DJs suonano con sistemi audio portatile e tramite la riproduzione di musica registrata in una varietà di eventi.
Turntablism si riferisce all’estensione dei confini e delle tecniche, innovate dal normale djing della cultura hip-hop.Uno dei primi DJ hip-hop fu Kool Herc, che creò l’ hip-hop attraverso l’isolamento delle “pause” (le parti di album che si limitavano unicamente il battito).
Oltre a sviluppare le tecniche di Herc, DJ Grandmaster Flowers, Grandmaster Flash, Grand Wizard Theodore e Grandmaster Caz fecero altre innovazioni con l’introduzione dello scratching.
Tradizionalmente, un DJ usa due giradischi simultaneamente. Questi sono collegati ad un mixer, un amplificatore, altoparlanti e varie altre parti di equipaggiamento elettronico. Il DJ quindi esegue vari trucchi tra i due album attualmente in rotazione con i metodi sopra elencati. Il risultato è un suono unico, realizzato dal suono apparentemente combinato di due separati brani in un’unica canzone. Un DJ non deve essere confuso con un produttore di un brano musicale (anche se c’è una considerevole sovrapposizione tra i due ruoli).Nei primi anni dell’ hip-hop, i DJ erano le stelle, ma la loro ribalta è stata presa dagli MCs dal 1978, grazie soprattutto a Melle Mel della crew di Grandmaster Flash, i Furious Five.
Tuttavia, una serie di DJs hanno acquisito notorietà negli ultimi anni. DJs famosi come Grandmaster Flash, Afrika Bambaataa, Mr. Magic, DJ Jazzy Jeff, DJ Scratch dagli EPMD, DJ Premier dai Gang Starr, DJ Scott La Rock dalla Boogie Down Productions, DJ Pete Rock di Pete Rock & CL Smooth, DJ Muggs dei Cypress Hill, Jam Master Jay dei Run DMC, Eric B. , DJ Screw degli Screwed Up Click nonchè l’inventore del “Chopped & Screwed” (stile di musica di miscelazione), Funkmaster Flex, Tony Touch, DJ Clue e DJ Q-Bert. Il movimento underground del turntablism è emerso grazie alla concentrazione sulla capacità del DJ.Con il passare del tempo i DJs iniziarono la creazione di mixtapes con diversi artisti, così da ottenere canzoni esclusive e metterli su un disco, come fecero DJ White Owl, DJ Skee, DJ Drama, DJ Slapwell Will, e DJ Whoo Kid.
Prima di parlare di tutto ciò che riguarda la capoeira come lotta è bene parlare della musica che, senza di essa, la stessa arte non può essere praticata.
Esistono diversi strumenti per suonare la musica della capoeira:
- Il berimbau, un arco di legno che tende un filo metallico (detto arame) di lunghezza variabile da 1 metro a 1,5. Alla sommità è presente una zucca cava (detta cabaça) con la funzione di cassa di risonanza. La corda viene battuta con una bacchetta di legno (vareta) e allontanando e avvicinando alla pancia la cabaça si può modificare il suono dello strumento. Esistono 3 tipi diversi di berimbau e la distinzione si fa dalla grandezza della zucca: viola, medio e gunga (il più grande e quello che, di solito, viene suonato dal capoerista di grado maggiore)
- L’ atabaque è un tamburo di forma cilindrica o leggermente conica con la bocca ricoperta da cuoio di capra, bue o cerbiatto. Si suona con le mani o con delle bacchette, dipende dal ritmo che bisogna suonare.
- Il pandeiro è un tamburello con dei dischi di metallo che funzionano da sonagli. Si suona con le dita e con il palmo della mano. È il principale strumento accompagnatore del berimbau.
- L’agogo è uno strumento a percussione formato da due o più campane di ferro senza batacchio dalle forme conico allungate e di grandezze diverse. Sono uniti alla base da una connessione di ferro che si utilizza come impugnatura. Lo si suona reggendolo in mano (per attutire le vibrazioni) e percuotendolo con il lato di una bacchetta in legno o in ferro.
- Il caxixi è un piccolo cestino di vimini finemente intrecciato, si sorregge con una mano infilando due dita nel semicerchio che si trova nell’estremità superiore. All’interno vengono posti dei semi o delle conchiglie il cui movimento genera il suono. Viene utilizzato per accompagnare il suono del berimbau nella capoeira.
Toccando in modo diverso il berimbau, lo strumento principale, si determina quale stile di gioco bisogna usare nella roda. I tocchi più usati sono:
- Angola, caratterizzato da un gioco lento e intrecciato.
- São Bento de Bimba (detto anche São Bento Grande da Regional o semplicemente Regional), è un gioco molto veloce e acrobatico.
- Iúna, gioco per i capoeristi di grado elevato. Molto acrobatico.
- Cavalaria, tocco usato durante il periodo in cui la capoeira era ancora proibita, serviva per avvertire i capoeristi dell’arrivo della polizia. Oggi viene usato per avvertire dell’arrivo di una persona sgradita.
- Santa Maria, tocco usato per pregare l’Ave Maria. Certi gruppi sono molto credenti e usano pregare prima dell’inizio di una roda o di un evento speciale.
- Benguela, il gioco della capoeira contemporanea. Una via di mezzo tra l’angola e la regional. Si usa moltissimo la tecnica per sopraffare l’avversario e non si possono eseguire salti mortali (consentito solo nella regional).
- Idalina, usato prima di iniziare una roda de Regional. Una persona canta e suona e nessuno batte le mani finchè il canto non è finito. È una pratica propiziatoria.
Questo è tutto quello che so dirvi sulla musica nella capoeira.
Alla prossima!
Anche di fronte alla crescente popolarità globale, o forse proprio per questo, l’hip hop è stato messo sotto accusa per essere troppo commerciale, troppo mercificato.
Anche se questo, naturalmente, suscitò polemiche, un documentario chiamato “The Commodification of Hip Hop” diretto da Brooke Daniel con le interviste degli studenti della Satellite Academy di New York City,cercò di spiegare come la mercificazione di questa cultura non faceva altro che migliorare la sua posizione agli occhi della soscietà.
Una ragazza parla dell’epidemia di criminalità che vede nelle comunità nere e Latine, in relazione direttamente all’ industria hip-hop dicendo:
“When they can’t afford these kind of things, these things that celebrities have like jewelry and clothes and all that, they’ll go and sell drugs, some people will steal it…“
Molti studenti videro tutto ciò come un effetto collaterale negativo dell’ industria hip-hop, proprio per questo, venne ampiamente criticata per aver incitato la criminalità, la violenza e gli ideali del consumismo americano, anche se gran parte della comunità hip-hop sceglieva ancora di fare riferimento a tipi di musica hip-hop più “old-school”, che non inneggiavano violenza e droga.
In un articolo per il Village Voice, Greg Tate sostenne che la commercializzazione dell’ hip-hop fosse un fenomeno negativo e pervasivo, scrivendo:
“ what we call hiphop is now inseparable from what we call the hiphop industry, in which the nouveau riche and the super-rich employers get richer “.
Ironia della sorte, questa commercializzazione andò a coincidere con un calo delle vendite dei dischi rap e la pressione da parte della critica del genere.
Anche altri musicisti, come Nas e KRS-ONE hanno sostenuto che l’ ” hip-hop è morto ” facendo capire che, per soddisfare le esigenze del consumatore, nel corso degli anni ha perso l’essenza per cui è stato originariamente creato.Tuttavia, nel suo libro “In Search Of Africa “, Manthia Diawara spiega che l’ hip-hop è davvero una voce per persone che sono emotivamente giù e che sono fuori dalla società moderna.
Egli sostenne che ” la diffusione mondiale dell’ hip-hop come rivoluzione di mercato ” era in realtà ” l’ espressione del desiderio della povera gente di fare una bella vita”, e che questa lotta si allineava con ” la lotta nazionalista per la cittadinanza e l’ appartenenza, ma rivelava anche la necessità di andare al di là di queste lotte e celebrare la redenzione del singolo nero attraverso la tradizione.
Mentre il genere hip-hop compiva 30 anni, stava avvenendo un’analisi più approfondita sull’ impatto della musica.Essa è stata considerata come una sensazione culturale che ha cambiato l’industria della musica in tutto il mondo, ma alcuni credono che la commercializzazione e la produzione di massa le hanno conferito un lato oscuro.
Tate ha descritto le sue manifestazioni recenti come un matrimonio di ingenuità tra il nuovo mondo africano e questo trucco del diavolo conosciuto come ipercapitalismo globale, sostenendo di aver aderito al mainstream che una volta aveva escluso suoi ideatori.Anche se i valori dell’ hip-hop potrebbero essere stati modificati nel corso del tempo, la musica continua ad offrire ai suoi seguaci e creatori un’identità condivisa che è immediatamente riconoscibile e molto imitata in tutto il mondo.
Chi non è mai andato sui pattini o non gli è mai venuta voglia di imparare?
Questo sport che possono praticare sia i grandi che i piccini nacque in Olanda nel 1400 come mezzo di trasporto sul ghiaccio e già nel 1500 l’Olanda si muniva di una squadra di archibugieri su pattini! Ovviamente oggi i pattini non sono più utilizzati come mezzo di trasporto ma come allenamento per gambe e lombari. Ogni persona usa il tipo di pattino che preferisce, i pattini quad o i pattini in linea (detti anche rollerblades, dall’omonima ditta che li produceva e produce tutt’ora) o, se siamo sul ghiaccio, si usano, ovviamente, quelli con lama. Tutti i tipi di pattini hanno caratteristiche diverse e anche utilizzi diversi che analizzeremo meglio in altri articoli dedicati.
Il pattinaggio su strada è diviso in quattro grandi categorie: pattinaggio artistico, pattinaggio di velocita, hockey in-line e hockey su pista.
Anche il pattinaggio su ghiaccio ne ha quattro: pattinaggio di figura, di velocità, short track (variante del pattinaggio di velocità) e, ovviamente, l’hockey su ghiaccio.
Tutti questi aspetti del pattinaggio li analizzeremo in vari articoli che tratteranno le varie discipline ma anche i benefici che traiamo da ognuna.
La disponibilità dell’ hip-hop a livello globale, non è un processo a senso unico, che sradica culture locali.Invece, a livello mondiale, gli stili hip-hop sono spesso sintetizzati con gli stili locali.Hartwig Vens sostiene che l’hip-hop può essere visto anche come esperienza globale di apprendimento.
L’ hip-hop proveniente da paesi al di fuori degli Stati Uniti viene spesso etichettato come “world music” per il consumatore americano.L’ autore Jeff Chang sostiene che “l’essenza dell’hip hop è il cypher, nato nel Bronx, dove la concorrenza e la comunità si alimentano a vicenda.”
L’ hip hop ha inciso positivamente su
lla cultura e sulla società di diversi paesi.”Migliaia di organizzatori, da Città del Capo a Parigi, usano l’hip-hop nelle loro comunità per affrontare casi di giustizia ambientale, di polizia e carceri, di giustizia media ed educazione.”
Mentre la musica hip-hop è stata criticata come una musica che crea un divario tra la musica occidentale e la musica dal resto del mondo, un musical “cross pollination” ha preso posto, che rafforza il potere dell’ hip hop nell’ influenzare le diverse comunità.
L’impatto dell’ hip-hop come una “world music” è arrivato anche grazie alla sua traducibilità tra le diverse culture nel mondo.Il messaggio dell’ hip hop è quello di consentire ai sotto-privilegiati e ai maltrattati di essere sentiti.Attraversare le frontiere di queste traduzioni culturali.
Anche se la musica può arrivare da un paese straniero, il messaggio è qualcosa che può riguardare molte persone, non è detto quindi che sia qualcosa di “straniero” a tutti.Anche quando l’ hip hop è trapiantato ad altri paesi, mantiene spesso la sua “agenda progressista vitale che sfida lo status quo.”
L’hip-hop globale è il terreno di incontro per un progressivo attivismo locale; a Göteborg, in Svezia, organizzazioni non governative (ONG) si impegnano per incorporare graffiti e street dance nella società così da aiutare gli immigrati scontenti e dare opportunità di lavoro alle classi giovanili.I giovani indigeni che vivono in paesi così diversi tra loro come la Bolivia, il Cile, l’ Indonesia, la Nuova Zelanda e la Norvegia utilizzano l’ hip-hop per avanzare nuove forme di identità.
- Pagina 1 di 2
- 1
- 2
- Pagina successiva
